La reciente tercera edición
del Room Art Fair (RAF) es la feria de arte joven que ha
conseguido consolidarse como una de las más interesantes dentro del panorama
español más emergente. Una feria en un hotel, en esta ocasión el Praktik
Metropol (en plena Gran Vía), es la singularidad y la apuesta de RAF, en
cuyos pasillos observamos el vaivén de toda una serie de jóvenes artistas (y no
tan jóvenes) con muchas pero que muchas ganas de compartir sus inquietudes, su
obra, y sus buenas vibraciones. Mi amigo, el artista Sergi Mesa (Aquí
su web http://www.sergimesafernandez.com/ ) fue
uno de los representantes de la Alejandro Gallery, una galería que
recién comienza sus primeros pasos pero que con toda la ilusión del mundo y un
elenco de artistas que están ahora mismo abriéndose camino en el difícil
recorrido del mundo del arte, sin duda es una de las apuestas más firmes dentro
del circuito cultural de Barcelona. Room Art Fair alberga, en las tres plantas
del hotel “ocupadas” de piezas artísticas una treintena de propuestas, entre
galerías, espacios de arte, o colectivos artísticos. Lo mejor de esta
feria está en su cercanía, en parte por la estrechez de los pasillos en parte
por la buena energía de toda esta gente. Los directores de Room Art Fair son Javier
Felices y Álvaro Vargas.
Pero nada mejor que nos lo cuente en persona uno de
sus participantes, Pol Gorezje uno de los participantes de la propuesta Day
Use.
| pol gorezje en el room art fair | |
1- Como parte
del proyecto Day Use del artista y comisario Andrea Perissinotto a mi me llamó
bastante la atención que siendo artistas muy diferentes (tú, Emmanuel Lafont y
Mapi D. H.) el conjunto expositivo resultó muy unitario. ¿Cómo ha sido el
proceso de trabajo entre los cuatro? El resultado ya lo hemos comprobado pero
bien es cierto que trabajar bajo un proyecto común muchas veces nos limita, y
más a los artistas a los cuales nos causa pavor eso de la “temática”.
Para DAY USE, Andrea tenía
muy claro el concepto que quería mostrar. Estableció las bases en cuanto a formato
y tamaño de las obras pero nos dio plena libertad para crear cada uno en
nuestro estilo. Uno de los aspectos que hicieron fascinante este trabajo fue
que al no conocernos previamente y vivir distantes unos de otros (Mapy en
Madrid, Emmanuel en Málaga y yo en Barcelona) surgió un interés morboso por
descubrir qué haría el otro y, al conocernos en la feria y admirar las obras
del resto, creamos un vínculo especial que se ha mantenido hasta la actualidad.
Uno de los aspectos que me
parecieron más interesantes de la propuesta fue el trabajar la sexualidad desde
el punto de vista material y táctil. Escogí imágenes individuales para decorar
los envoltorios de los condones, como representación de la intimidad personal y
del sexo fugaz mientras que para las postales escogí composiciones grupales
como alegoría de una forma de comunicarse prácticamente desaparecida en el
mundo tecnológico actual.
No creo en las
limitaciones. En cualquier medio expresivo (ya sea pintura, fotografía, cine…)
el artista tiene que ser capaz de hacer suya la propuesta, transformar aquello
que no le gusta para adaptarlo a su personalidad y a su manera de ver y
entender las cosas. Ese es el reto, que te desafíen a conseguir satisfacción
partiendo de una premisa banal. Antes de DAY USE nunca había utilizado un
formato tan pequeño como 6x6 pero fue fascinante crear seres en miniatura,
personajes con vida y perversiones propias, que se descubren en pequeños
matices. Además del concepto de captura: comprimir rostros que en origen
procedían de fotografías de mayor tamaño que la pieza final como si estuvieran
cautivos en el envoltorio de preservativo.
| la habitación de los corazones rotos | pol gorezje | acrílico sobre fotografía | 21x15cm | 2013 | |
2- El proceso de trabajar
con un material tan cargado de connotaciones como lo son los
preservativos, como nos comentaste, tiene que ver mucho con la fugacidad
del hotel, con su frialdad, su impersonalidad, pero también con ese confort
momentáneo, el placer, lo mágico de ese placer efímero. Siento que has
conseguido engarzar todos estos factores con una fuerte preocupación por la identidad.
Hay un trasfondo en todo esto, los rostros de ciertos personajes, que
ambicionan permanencia, la permanencia de lo que en sí significa un retrato (en
definitiva trabajas con retratos). No solo eso, te has permitido pervertir esos
modelos de revista para luego redibujarlos, remaquillarlos a tu antojo. El
juego naíf y canalla es evidente. Necesito saber qué imágenes, que sonidos o
que palabras resuellan en tu cabeza cuando estás en ese proceso. De verdad, yo
las asocio (tus imágenes) a un cierto imaginario muy concreto pero me gustaría
que me contaras el tuyo, me muero de curiosidad por encontrar puntos en común.
Tienes razón: mi obra es
muy visual. Imagino que la explicación se basa en mi amor por el cine. Me crié
viendo películas y eso ha influido claramente en mi trabajo. El aspecto
compositivo, la gestualidad, el impacto visual todo es un claro reflejo de lo
que mi inconsciente ha ido acumulando a lo largo de los años. Quizá por eso mi
obra pictórica es primordialmente física, son retratos de personas. Soy incapaz
de dominar el abstracto porque no le encuentro el alma, me falta la carne, la
organicidad de mis personajes. Generalmente creo series con una temática
concreta de modo que cada creación individual dialoga con el resto de la serie
y todas ellas, a su vez, forman parte de un universo común, un imaginario que
brota del interior del alma, del respeto hacia esos seres mutilados (en cuerpo
y alma).Personajes perdidos que, pese a ser grotescos o imposibles, son
estéticamente bellos de manera que cuando el espectador les mira detenidamente
se crea el efecto contrario y llegan a conmover y fascinar.
No deja de ser también una
crítica a los cánones de belleza y a cómo cambian con la época y con la
subjetividad del espectador. Pero al margen del cine como creador de imágenes,
mi fuente de inspiración es la música. A cada creación le corresponde una
música diferente, varío mucho pero siempre reincido en las bandas sonoras de
Stelvio Cipriani, Ennio Morricone o Piero Umiliani.
3- Vives en Barcelona,
donde has realizado una serie de exposiciones en determinados espacios de arte,
colectivas, festivales como el Obuxofest, también en propuestas como la de Franqueados
013 en Madrid, así como en LaCasaFranca del recinto Ifema de la
capital, y en numerosos locales. Es innegable que estás a tono con el circuito
artístico actual más joven y vanguardista. ¿Qué me puedes contar sobre todo
esto?
Mi presencia en el mundo
del arte es fruto de una combinación extraña y explosiva de esfuerzo, voluntad
y suerte. Soy licenciado en Derecho, no tengo formación en bellas artes, lo que
tengo es un impulso creativo que se manifiesta en la pintura, la escritura, la
fotografía y el cine (en la actualidad estudio dirección cinematográfica en
Barcelona). Mi esfuerzo por hacer bien mi trabajo, por transmitir sensaciones y
revolver al espectador, se ha combinado con la suerte de encadenar
exposiciones. Prácticamente todos los eventos en los que he participado son
fruto de propuestas de alguien que ha visto mi trabajo o exposición anterior. La
suerte ha contribuido a colocar a cada persona en el momento y lugar adecuado y
he de agradecer la confianza que me han demostrado.
4- Eres un artista
camaleónico, aunque puedo advertir que tu faceta plástica predomina sobre el
resto de medios que tocas. ¿Cómo conjugas esto con tus trabajos en vídeo,
cortos, fotografías? Los ves como compartimentos estancos, ¿o las ideas que en
principio piensas para un determinado medio puede acabar terminando para otro?
A veces siento que tus pinturas tienen mucho de animación, no sé porqué las veo
en una secuencia narrativa.
Hace poco leí que un guión
no debe basarse en palabras sino en imágenes y que éstas pueden extraerse del
mundo de los sueños porque es el lugar más puro donde existe lo imposible y lo
inexistente. Para mi, el arte proviene del inconsciente, de los sueños, del
fondo de la mente. Todo está interrelacionado: los personajes de un relato se
emparentan con los de un guión, se materializan en los cortos y son retratados
en mis pinturas desde una vertiente más expresiva, más traumática.
5- ¿Qué artistas de tu
entorno son los que más te interesan a día de hoy? Es cierto que hay una gran
variedad pero también se podría hablar de tendencias, o caminos. ¿Podrías
contarme cual es el tuyo?
Me da la impresión de que
la actualidad está focalizada en el diseño y la ilustración. Quizá porque hay
una mayor salida comercial (a través de publicaciones, ropa, merchandising…)
que con la pintura. Sigo a
ilustradores muy buenos como Flanko, Aitor Sarabia, Emmanuel Lafont, Ricardo
Cavolo o Alfonso Casas Moreno. En pintura me fascina
Mateusz Szcypinski, Aleksandra Waliszewska, Rai Escalé o Gino Rubert, que crean
sus propios universos y combinan la fotografía con la pintura. ¿Tendencias o
caminos? Más bien sigo un curso natural, una pulsión.
| las sirenas | pol gorezje | acrílico sobre fotografía | 21x15 cm | 2013 | |
6- Para mí RAF ha sido todo
un descubrimiento y sin lugar a dudas un punto de encuentro entre
artistas coetáneos. Valoro esta capacidad y esfuerzo de acercamiento por parte
de los artistas a sus espectadores, pues muchas veces el contacto directo entre
compañeros es difícil. Al margen de las posibles ventas, imagino que has hecho
contactos con los que en el futuro poder colaborar, o quien sabe compartir
galería. ¿Como ves el panorama artístico actual en un momento en que se están
cerrando o en proceso de cierre sistemáticamente espacios de arte (como el
mítico Can Felipa y otros tanto en Barcelona, y en otras ciudades) cuando las
oportunidades merman ante una privatización constante de nuestros espacios
culturales?
Room Art Fair ha sido una
gran oportunidad en mi corta trayectoria. Al margen de la importancia que
supone dar a conocer mi trabajo entre los visitantes de RAF, lo más
gratificante ha sido conocer gente nueva: artistas que participaban,
comisarios, galeristas, voluntarios, fotógrafos… Me siento afortunado porque
algunos de ellos se están convirtiendo en buenos amigos y otros en
colaboradores, y para mi eso es todo un logro. Vivimos una época en la que el
arte está casi proscrito, con poca difusión, escasas ayudas, el tema del IVA,
la falta de estímulos. Por eso es tan importante que haya iniciativas que
impulsen a los artistas emergentes, que nos hagan visibles al público, que
abran camino más allá de los circuitos estáticos e inmovilistas de algunas
galerías, como ocurre en Barcelona.
Aquí un enlace a la
web de Pol Gorezje: http://polgorezje.com/